Опубликовано: 17 марта 2013

рейтинг

+12

Классическая музыка


Не для кого не секрет, что основой всей мировой музыки является классическая музыка. Нотная грамота, гармония, исполнительское мастерство, композиция, режиссура и постановка – всё это идёт из классической школы.

Основным преимуществом классической музыки является её непреходящая актуальность. Поп-музыканты бьют в одну точку и актуальны лишь в течении нескольких лет, и это в лучшем случае. Рок-музыка захватывает десятилетия, но и это не такой большой срок. Все жанры современной музыки сливаются, мутируют, непрерывно дают какие-то гибриды. Но все они недолговечны.


И только классическая музыка охватила собой века человеческой истории. Только она глобальна и всеобъемлюща, и именно поэтому никогда не теряет своей актуальности. И только классическая музыка столетиями остаётся неизменной. А стабильность, как известно, признак мастерства.

Почему интерес к классике не угас до сиих пор, хотя появилось уже бесчисленное множество новых видов музыки? Почему эти виды теряют своих поклонников со временем, а классика набирает? Почему современная музыка однотипна и преимущественно состоит из придуманных создателями клише?

Очевидно, дело в том, что столь основательная школа, как школа классической музыки изначально обладала таким широким и разнообразным каноном, что создавать новое и импровизировать в его пределах остаётся возможным и сейчас, он далеко не исчерпал своих возможностей.

За века развития классической музыки было создано великое множество музыкальных приёмов, написано бесконечное количество произведений, опробовано неизмеримое разнообразия аранжировок. И при этом всё новые и новые музыканты создают оригинальные и непохожие ни на что произведения.

Сереет неисчерпаемых возможностей классической музыкальной школы заключается в её историчности. Классическая музыка и история человечества неразрывно связаны. Именно по мотивам исторических событий и личностей создаётся большая часть классических музыкальных произведений. И композиторы, и исполнители классической школы застали самые различные эпохи мировой истории и смогли их запечатлеть.

А история, как известно, идёт по расширяющейся спирали, но никогда не повторяется. Исторический опыт никогда не будет отвергнут. Умные люди учатся на истории, а умных людей в этом мире хватает. И как никогда не потеряет свой актуальной мировая история, так её не потеряет и классическая музыка.

Классическая музыка всю свою историю была элитарной. Ей восхищались умней и сильнейшие люди своего времени. В ней находили наслаждение подлинные ценители искусства. Она была отдушиной правителей, учёных, крупных торговцев. Именно люди, сделавшие себя сами, люди управлявшие историей этого мира всегда ценили классическую музыку. С тех пор ничего не изменилось. Сейчас классическая музыка также остаётся элитарной.

История классической музыки

Основу музыкальной мысли средневековья составляет Григорианский хорал, который, образуя базу всей церковной католической музыки, складывается в результате отбора и переработки римской церквью множества местных христианских песнопений.

На рубеже 6-7 веков культовые напевы при непосредственном участии папы Григория 1 были окончательно канонизированы и строго распределены в пределах церковного года. Григорианский хорал исполнялся профессиональными певцами. После освоения церковной музыкой многоголосия, Григорианский хорал остался тематической основой (cantus firmus) полифонических культовых произведений (месс, мотетов и др.). Музыкальное Возрождение в своих первоначальных формах сложилось в 14 веке как направление Арс Нова в Италии и Франции. В последующем столетии получают самостоятельное развитие различные жанры светского музыкального искусства, наполненные гуманистическим содержанием. В пышном и выразительном стиле духовных мотетов и месс нидерландских мастеров, в праздничном и красочном культовом искусстве венецианцев обнаруживаются светские гуманистические устремления. Возрождение дало мощный толчок развитию инструментальной музыки (вариации, фантазии и др., пьесы для лютни, виолы, скрипки, клавесина, органа и т.д.) Эпоха Возрождения завершилась возникновением самостоятельного стиля оркестрово-ансамблевой и органно-клавирной музыки и созданием новых музыкальных жанров - оперы, кантаты, оратории, сольной песни, с которыми связано утверждение гомофонии и возрастание роли основных ладов современной музыки - мажора и минора. В то же время возникает опера, как попытка воскресить античный театр - идея характерная для всего Возрождения.

Барокко - стиль вычурный, причудливый. В музыке эпохи Барокко расцветают такие полифонические формы, как инвенции, прелюдии . Высшего развития и кристаллизации достигает форма фуги. Получают свое развитие такие формы вокальной музыки, как месса, страсти, оратория. Складываются формы концерта. Появляется жанр concerto grosso. На первый план выдвигается внутренний мир человека. Музыка эпохи Барокко, Рококо глубоко самосозерцательна. Сам принцип подхода к музыкальному тематизму позволяет высветить личность человека какбы изнутри. Его глубокие философские переживания, его внутренние мыслительные и духовные события представляют особый интерес для композиторов того времени и являются основой музыкальной ткани.

Классицизм - течение в художественной культуре европейских стран 17-го начала 19 веков, стремившееся к созданию возвышенных, идеальных, рационалистически четких и пластически завершенных произведений искусства по античным классическим образцам. Представители Классицизма обращались к античным сюжетам, образам и формам с целью воплощения общественно-этических идеалов современности. Художественные образы Классицизма отличались логичностью и ясностью, строгой уравновешенностью и гармоничностью. Новый этап развития Классицизма связан с передовым идейно-художественным направлением эпохи Просвещения (18 век) во Франции и других европейских странах.

Романтизм - идейное и художественное движение, возникшее в европейских странах на рубеже 18-го и 19-го веков и получившее отражение в различных областях науки и искусства. Интерес к народной жизни, национальной культуре, историческому прошлому, увлечение народными сказаниями и песнями, любовь к природе вызвали расцвет народно-бытовой, фантастической, романтико-героической оперы, развитие жанров баллады, песни, танца, программной музыки. Особое внимание к душеному миру, психологии человека влекло за собой развитие музыки (романс-песня, фортепианная миниатюра, усиление начала в симфонии и камерной музыке).

Появляются темы исполненные глубокого психологизма: тоски, одиночества. Поиски картинности, красочной изобразительности, решение новых задач в области психологической выразительности и воплощения многообразных оттенков эмоционального состояния обусловили огромные новаторские достижения Романтизма в области гармонии, инструментовки, музыкальной формы, вокальной декламации и т.п. Эпоха Романтизма - одна из самых значительных в истории музыки.

Импрессионизм - художественное течение, провозгласившее основной целью искусства передачу мимолетных впечатлений, чувственных, субъективных настроений художника. Музыкальный Импрессионизм сложился на рубеже 80-90-х гг. во Франции вслед за импрессионизмом в живописи и символизмом в поэзии, затем распространился и в других странах. Импрессионисты расширили колористические средства музыкальной выразительности (в области гармонии, инструментовки). Как направление, Импрессионизм оказал неоценимое влияние на будущие стили и музыкальные течения.

Конструктивизм - в области музыки Конструктивизм находит выражение в комбинировании жестких, резко диссонирующих созвучий, синкопированных, ломанных ритмических фигур. В музыке Конструктивизма часто применяются джазовые звучания. Несмотря на полемику, жарко разгоревшуюся вокруг этого направления, Конструктивизм, как стиль, жив по сей день и пользуется заслуженным уважением.

Неоклассицизм - течение в музыкальном творчестве 20 в., стремящееся возродить художественные образы, формы и стилистические приемы музыки классического периода, к которой в данном случае относят различные музыкальные школы 18 в. и более ранних веков. По своему идейно-художественному содержанию проявления Неоклассицизма неодинаковы в творчестве разных композиторов. Неоклассицизм, как и Конструктивизм, получает бурное развитие в 20 -м веке.

Русская музыкальная культура развивалась несколько отличным от зарубежной музыки путем. До своего расцвета и становления первых национальных композиторских школ в начале 19-го века она прошла долгий путь развития. Началом русской музыки можно считать 9-ый век - образование Древнерусского государства. До середины 18-го века светская музыка не была профессиональной, основные музыкальные жанры лежали в области народного фольклора и духовной музыки. С 19-го века русская музыка вступает на свой собственный, отличный от европейского, путь развития. Опираясь на народную музыку и исторические события, композиторы создают самостоятельную национальную школу, ведущими жанрами которой стали эпическая опера и симфония. В 20-ом веке происходит взаимопроникновение и взаимообогащение русской и европейских культур, создание синтетических жанров. Современные композиторы, используя достижения 20-го века, также опираются на древние и классические традиции.

Во 2-ой четверти 19-го века русская музыка вступила в период своего расцвета. Основоположником русской классической музыки считается М. И. Глинка. Наиболее значимыми жанрами стали оперы, романсы, симфонии и камерно-инструментальная музыка.

Новый этап начался в 60-е годы. Основанное в 1859 году А. Рубинштейном русское музыкальное общество способствовало приобщению широких кругов слушателей к серьезной классической музыке. Создание консерваторий в 1862 году в Петербурге и в 1866 году в Москве положило начало подготовке профессиональных композиторов, педагогов, музыкальных критиков.

В 60-е и 70-е годы за решительное обновление русской музыки выступают композиторы «Могучей кучки» во главе с Балакиревым.

Годы 80-е и 90-е, когда творчество многих композиторов достигает высокой зрелости, выдвигается новое поколение талантливых музыкантов.

Конец 19-го, начало 20-го века ознаменовались огромными историческими сдвигами. В этот период большое внимание в русской музыке удиляется таким направлением как символизм и романтизм.

В начале 20-го века русская музыкальная культура выдвинула талантливую плеяду композиторов-новаторов И. Стравинского и С. Прокофьева. Среди знаменитых мастеров старшего поколения были Н. Мясковский, Д. Кастальский.

В советские годы возник, по существу, новый в отечественной музыке жанр - героическая оратория, получила развитие хоровая песня. Широкий размах приобретает детская музыка.

Среди ярких представителей артели композиторов, воспитанники русских консерваторий - Д. Шостакович, Д. Кабалевский, А. Хачатурян. Выдающиеся труды созданы советскими музыковедами - Б. Асафьев, Б. Яворским. Глубоко разработаны многие проблемы истории и теории музыки, музыкальной эстетики, музыкальной фольклористики. Большое количество работ создано в области музыки для кино, театра, радио.

Наиболее великие композиторы 50-х годов - Т. Хренников, Г. Свиридов. В музыкальном искусстве происходят существенные изменения. Расширяется круг жизненных образов и сюжетов, обновляются его выразительные средства, совершенствуется форма.

В эти же годы выдвинулась плеяда одаренных композиторов, проявивших себя в разных жанрах - Р. Щедрин, А. Шнитке, Э. Денисов, В. Гаврилин.

Виды классической музыки

«Классическая» французская сюита выглядела примерно так: аллеманда, куранта, сарабанда, жига. В таком виде сюита сформировалась к концу 17 века и просуществовала до середины 18. Примерно в это время композиторы стали добавлять другие танцы, как, например, гавот, бурре, менуэт и даже арии, небольшие мелодичные произведения, не предназначенные для танцев. Позже сюиты стали начинается всякого рода вступительными частями, как, например, прелюдиями, увертюрами, фантазиями, симфониями. Примеров тому много в произведениях Баха (Английские сюиты, Французские сюиты, Партиты (немецкий эквивалент сюиты).

Кончерто Гроссо - форма концерта, сложившаяся во времена барокко. Например, «Времена Года» Вивальди - наверное самый яркий пример, приходящий на ум. Как и в обычном концерте здесь задействован оркестр (тутти), но вместо солиста - группа солистов. Так же как и в возникшей позже форме сольного (классического) концерта все построено на контрасте: контрасте звучания солистов против тутти (о чем, возможно, говорит латинское слово «concerto» (соперничать), хотя нет уверенности, что именно от этого слова произошло название «концерт»), постоянный контраст и конфликт музыкальных идей.»

Кончерто гроссо следует принятым в то время принципам построения музыкального произведения: в большинстве случаев части чередуются по темпу, часто использует полифоническая структура, темы звучат как в первоначальном виде, так и в измененном - аналогичено вариациям, которые постоянно возвращается. Можно еще добавить, что используется бинарная форма (в отличие от, например, распространненой позже сонатной формы), в которой первая половина начнается в тонической тональности, заканчивается в какой-то другой, а вторая часть начинается в этой второй тональности и заканчивается в тонической тональности.

Классический концерт представляет собой трехчастное произведение для солиста-инструменталиста и оркестра. Контраст звучания - один инструмент и тутти, виртуозность солиста и мощь оркестра. Сольный концерт появился как редукция кончерто гроссо - когда группа солистов постепенно стала заменяться двумя (двойной концерт) или тремя (тройной концерт) солистами.

Сама идея концерта подразумевала для солиста демонстрацию виртуозности владения инструментом. Это выражалось не только в более изощренных вариациях тем. В первой (а иногда еще и в третьей) части концерта обычно присутствует «каденция», в которой звучит соло на фоне неразрешенного аккорда в оркестре. Идея такой каденции пришла из барокко, когда в кульминационные моменты, например, арий, певцы украшали и удлиняли свои пассажи, демонстрируя свое мастерство. Часть таких каденций специально выписывались для солиста композиторами, но позже они стали просто оставлять место, давая простор воображению исполнителя. Для некоторых из таких неописанных изначально каденций позже были предложены варианты, которые до сих пор используются исполнителями. Так, например, в фортепьянных концертах Моцарта часто можно услышать кеденции, написанные Бетховеном.»

Большая часть музыкальных произведений от классического периода до 20века написана в сонатной форме (форма сонатного аллегро). Это форма одночастных произведений, и так же часто ее называют «формой первых частей», хотя не каждая первая часть сонат, симфоний и струнных квартетов, имеет форму сонатного аллегро, так же как медленные части и финалы симфоний иногда как раз написаны в сонатной форме. Название - сонатное аллегро - не показывает на темп данного произведения или его части. Это лишь исторически сложившейся термин.»

Сонатная форма имеет три основных части: экспозиция, где представляются все темы» разработка, название, собственно, говорит само за себя: здесь представленные в экспозиции темы развиваются и изменяются» реприза, в которой темы возвращаются в своем первоначальном виде. Часто после этих трех основных частей следует кода.»

В классическом виде симфония имеет 4 части. Но исключений очень много: 6я Пасторальная симфония Бетховена состоит из 6ти частей.

В огромном большинстве случаев первая часть симфонии - быстрая и энергичная, написана в сонатной форме. Это самая драматичная часть симфоний, часто предшествуемая коротким вступлением, усиливающим напряжение ожидания. Вторая часть - обычно медленная и меланхоличная, контрастирующая с остальными частями симфонии по настроению и тональности (это единственная часть, тональность которой отличается от тональностей остальных трех частей). Часто здесь можно встретить форму сонатного аллегро, AБА или тему с вариациями. Третья часть - танцевальная, в классическом периоде это менуэт и трио, Бетховен часто использовал здесь скерцо. Последняя часть времен Моцарта и Гайдна обычно живая, сверкающая, и более легкая по настроению и гармонии, чем первая. Бетховен заканчивал свои симфонии триумфальными финалами, делая их кульминационными для всего произведения. Четвертая часть часто также как и первая имеет сонатную форму, или форму сонатного рондо.

Старинная музыка

Имя И.А.Хассе (1699-1783), наверное, слышали все или почти все любители старинной музыки в современной России. Однако даже профессиональные музыканты, прослушавшие консерваторский курс истории музыки, в большинстве своем знают об этом композиторе лишь то, что жил он в XVIII веке, был немцем по происхождению, но работал преимущественно в жанре итальянской оперы-сериа. Предельно лаконична и информация о жизни и творчестве Хассе, которая содержится в отечественной музыковедческой литературе (где до недавнего времени его фамилию ошибочно транскрибировали как Гассе) или же в справочно-энциклопедических изданиях.

А между тем мало кто из оперных композиторов в середине XVIII века мог сравниться с Хассе не только по своей популярности, но и по мастерству. Его имя в то время гремело по всей Европе, а творения его, высоко ценимые как коллегами-музыкантами, так и просвещенными меломанами, были равно любимы и могущественными монархами, и их рядовыми поддаными. После того, как великий Гендель предпочел операм ораторию, Хассе - “король бель канто”, как называли его современники, - безраздельно царил на музыкально-театральном Олимпе. И это продолжалось несколько десятилетий, пока в полную силу не заявили о себе Глюк и Моцарт. Но история сыграла с Хассе злую шутку. Случилось так, что кончина композитора по времени почти совпала с началом принципиально новой эпохи европейской истории, в которую его благородно-аристократические творения уже никак не вписывались. И о них просто забыли. Тем более, что основная их масса существовала лишь в рукописях. Рукописям этим суждено было пылиться в различных архивах многие десятилетия, а значительную часть автографов вообще удалось обнаружить лишь в 1960-е годы. Не удивительно поэтому, что осознание значительной роли и довольно важного места Хассе в истории западноевропейской музыкальной культуры XVIII века происходило постепенно. Исполнялись все новые его сочинения, публиковались все новые музыковедческие исследования его творчества. Но все это происходило, да и сейчас происходит на Западе. Для нас же творческое наследие Хассе в значительной мере и по сей день воспринимается как terra incognita. А наследие это весьма впечатляюще. Прежде всего оно поражает своими колоссальными размерами, и в этом отношении мало кто из композиторов может сравниться с Хассе. В самом деле, сохранилось свыше 70 его опер и сценических интермеццо, 11 ораторий, около 90 кантат для голоса с инструментальным сопровождением разного состава, огромное количество духовнй музыки самых различных жанров (14 полных месс и 3 реквиема, мотеты, псалмы, антифоны, отдельные части месс), наконец, несколько десятков инструментальных сочинений (трио-сонаты, concerti grossi, флейтовые и клавирные сонаты и т.д.). Такой список сочинений может вызвать только глубочайшее уважение к их создателю, обладавшему помимо огромного таланта еще и поразительной работоспособностью, которая отличала его на протяжении всего творческого пути. Путь же этот оказался довольно длинным. И продолжался он дольше, чем у других выдающихся мастеров XVIII века. 17 января 2001 года исполнилось 330 лет со дня премьеры трагедии-балета Жана-Батиста Люлли «Психея». Это уникальное сочинение стоит на перекрестке истории. Здесь пересекаются судьбы Жана-Батиста Люлли, Жана-Батиста Мольера, Пьера Корнеля, Жана Расина, Филиппа Кино, и не только. Для французского музыкального театра это момент отчетливого перелома: опера побеждает балет. В 1670 году Люлли и Мольер вместе пишут комедию-балет («Блистательные любовники») — как вскоре окажется, в последний раз. Для ушей современников слова «трагедия-балет» должны были звучать вызовом, взламывая всю существовавшую на тот момент театральную систему. Слово «балет» во Франции традиционно сочеталось со словом «комедия». «Комедия-балет» — не изобретение Люлли и Мольера. Подобным сочетанием, как собственным know-how, хвалился еще Балтасар де Божуайё (он же Балтазарини Бельджойозо), итальянский скрипач, в 1581 году возглавивший коллектив авторов знаменитого «Комического балета Королевы». В словах «трагедия-балет» — сознание смелости и новизны предпринятого шага. И конечно, явный рекламный ход. Но этим полемический заряд «трагедии-балета» не исчерпывается. Незадолго до ее появления активизировались конкуренты Люлли, Перрен и Камбер. В их руках находилась Королевская Академия музыки, где в 1670 — 1671 годах были поставлены пасторали «Помона» и «Муки и радости любви», обе полностью на музыке, как итальянские оперы. Вновь стала актуальной та концепция музыкального театра, которую Пьер Перрен сформулировал еще в 1659 году в предисловии к «Комедии на музыке», превратив его в настоящий манифест музыкальной пасторали: не отягощать спектакль серьезной интригой, как в разговорной трагедии (иначе говоря, не заставлять петь Цезаря и Августа и отдать музыкальный театр в полное распоряжение пастухов, ограничившись темами любви, радости, печали, ревности и отчаяния). Не писать пьес больше, чем на час-полтора, и монологов длиннее, чем в двенадцать строк» не петь на иностранных языках или же в иностранной (т.е. итальянской) манере, использовать только простую, легко схватываемую на слух лексику, заменить тяжелый александрийский стих более короткими строками... Наконец, Перрен предлагал целиком сосредоточиться на поэзии и музыке, оставив в стороне танец и машинерию. Он был противником больших залов, предпочитая помещения максимум на 300 — 400 мест, дабы ни единого слова не пропало для слушателя.

Великие певцы

Фёдор Иванович Шаляпин дебютировал на оперной сцене в 1890 (Уфа, партия Стольника в «Гальке» Монюшко). В 1893-94 выступал в Тифлисе (партии Мефистофеля, Тонио в «Паяцах» и другие), затем в Петербурге в театре «Аркадия», в Панаевском театре. В 1895 дебютировал в Мариинском театре (партия Мефистофеля), исполнял партию Робинзона в «Тайном браке» Чимарозы (1895). В 1896-99 пел в Московской частной русской опере Мамонтова (дебют в партии Ивана Сусанина). Здесь талант певца раскрылся в полной мере. Среди лучших партий на этой сцене Иван Грозный в «Псковитянке» Римского-Корсакова, Мельник, Досифей, Борис Годунов, Сальери (мировая премьера оперы «Моцарт и Сальери» Римского-Корсакова, 1898). С осени 1899 Шаляпин вновь становится артистом Императорских театров (дебют в партии Мефистофеля в Большом театре. На сцене театра был участником мировых премьер опер «Ледяной дом» Корещенко (1900, партия Бирона), «Пир во время чумы» Кюи (1901), «Добрыня Никитич» Гречанинова (1903).

В 1901 году Фёдор Шаляпин с большим успехом исполнил партию Мефистофеля в одноимённой опере Бойто в Ла Скала (дирижировал Тосканини, партию Фауста пел Карузо). Гастролировал в Монте-Карло (1905-06, выступал с Кальве, Фаррар» впервые исполнил здесь партию Филиппа II, Берлине (1907). С 1908 выступал в Русских сезонах в Париже (Борис Годунов), где имел триумфальный успех (эту же партию исполнил в 1909 в Ла Скала, в 1913 в Лондоне). В 1910 был участником мировой премьеры оперы «Дон Кихот» Массне (Монте-Карло), заглавная партия которой была специально написана для певца. продолжал выступать в России (в том числе в оперном театре Зимина, петроградском Народном доме). В 1917 исполнил в Большом театре партию Филиппа II. Среди других партий Князь Галицкий в «Князе Игоре», Демон, Кончак, Алеко, Олоферн в опере «Юдифь» Серова, Базилио, Лепорелло. В 1922 Шаляпин покинул Россию. Выступал в США (Метрополитен Опера, Чикаго и других), Париже, Лондоне, Берлине, Барселоне, Милане (Ла Скала) и других городах в своих лучших партиях, участвовал в русских антрепризах (в том числе в 1930-31 в спектаклях «Русской оперы» Церетели и В. де Базиля «Князь Игорь», «Русалка», и «Борис Годунов»). Последнее публичное выступление певца состоялось в 1937. Выступал также как оперный режиссёр. Снимался в кино (исполнил заглавную роль в фильме «Дон Кихот», 1932, музыка Ж. Ибера). Автор мемуаров «Страницы из моей жизни» (1917), «Маска и душа» (1932). Дмитрий Хворостовский (баритон) - народный артист России (1995), заслуженный артист РФ (1990), лауреат Государственной премии (1991), лауреат премии Профсоюзов в области художественного творчества (1991). Дмитрий Хворостовский стал известен всему миру после триумфальной победы на телевизионном конкурсе ВВС «Певец мира» в Кардиффе (1989, Великобритания), где был удостоен титула «Лучший голос» и получил единственный приз. В том же году состоялся легендарный дебют Хворостовского в престижном лондонском Wigmore Hall, отмеченный «Times» крылатой фразой: «Пришел, спел, победил!». В настоящее время певец с семьей (супругой Флоранс и двумя детьми) живет в Лондоне. Дмитрий Хворостовский родился в 1962 г. в Красноярске, образование получил в Красноярском педагогическом училище им. А.М.Горького и Красноярском институте искусств (класс проф. Е.К.Иофель). В 1985-1990 гг. работал в Красноярском государственном театре оперы и балета. В 1987 г. завоевал 1-ю премию на Всесоюзном конкурсе певцов им. М.И.Глинки, в 1988 г. - Гран-при на Международном конкурсе певцов в Тулузе (Франция). После дебютов в Лондоне и Нью-Йорке (Alice Tully Hall, 1990) Дмитрий становится одним из самых востребованных баритонов во всем мире. Он постоянно выступает в лучших оперных театрах, в том числе Royal Opera House Covent Garden (Лондон), Bayerische Staatsoper (Мюнхен), La Fenice (Венеция), Deutsche Staatsoper (Берлин), La Scala (Милан), Wiener Staatsoper (Вена), Colon (Буэнос-Айрес), Metropolitan Opera (Нью-Йорк), Chatelet (Париж), Мариинском театре (Санкт-Петербург), в престижных концертных залах - таких, как Queen’s Hall (Эдинбург), Carnegie Hall и Avery Fisher Hall (Нью-Йорк), Большой зал Московской консерватории, Большой зал Санкт-Петербургской филармонии, Musikverein (Вена) и др. Дмитрий по сей день остается желанным гостем-участником крупнейших музыкальных фестивалей в Зальцбурге, Праге («Пражская весна»), Санкт-Петербурге («Звезды белых ночей») и др. В репертуаре певца - более 30 ведущих оперных партий, в том числе Онегин («Евгений Онегин» Чайковского), Елецкий («Пиковая дама» Чайковского), Грязной («Царская невеста» Римского-Корсакова), Жермон («Травиата» Верди), Граф ди Луна («Трубадур» Верди), Риголетто («Риголетто» Верди), Рикардо («Пуритане» Беллини), Сильвио («Паяцы» Леонкавалло), Дон Жуан и Лепорелло («Дон Жуан» Моцарта), Фигаро («Севильский цирюльник» Россини), Валентин («Фауст» Гуно) и др. Не меньшее внимание певец уделяет и камерной вокальной музыке (романсы Чайковского, Бородина, Римского-Корсакова, Рахманинова, Рубинштейна, Глинки, песни зарубежных композиторов, арии эпохи барокко, русские народные песни), а также вокально-симфоническим циклам (в частности, Малера), кантатно-ораториальным жанрам. Дмитрий Хворостовский признан непревзойденным исполнителем музыки Георгия Свиридова, который свой цикл «Петербург» на стихи А.Блока посвятил певцу. В 1999 г. в Канаде Хворостовский впервые обратился к новому для себя жанру, снявшись в фильме-опере по «Дон Жуану» Моцарта сразу в двух партиях. Дмитрий Хворостовский выпустил более 20 альбомов на фирме Philips Classics, а в настоящее время активно сотрудничает с компанией Delos (США). В 1992 г. сборник «Очи черные» (русские народные песни и романсы в сопровождении Оркестра народных инструментов им. Осипова под управлением Николая Калинина) был признан одним из наиболее успешных в Европе и США. Последний по времени выхода диск Хворостовского - «Песни военных лет» - записан летом 2003 г. в Москве. Лучано Паваротти – это итальянский тенор, один из самых популярных у публики и безусловно признаваемых критикой оперных теноров в эпоху после Э.Карузо. Среди достоинств пения Паваротти – превосходная высокая постановка голоса» солнечный полетный тембр» на редкость совершенное вокальное мастерство и как следствие легкость звукоизвлечения. Сочетание подобных качеств с невероятно сильной индивидуальностью, излучающей тепло и жизнерадостность, сделали певца одной из «суперзвезд» оперной сцены 20 столетия. Паваротти родился 12 октября 1935 в Модене (Италия). После окончания школы в Модене начал заниматься вокалом в Мантуе у Э.Кампогальяни. Дебютировал в 1961 в партии Родольфо в «Богеме» Пуччини. Через пять лет был уже подготовлен к дебюту в миланском театре «Ла Скала» (партия Тибальда в «Капулетти и Монтекки» Беллини). Но только партия Тонио в «Дочери полка» Доницетти (спетая сначала в театре «Ковент-Гарден» в 1966, а потом, в 1972, на сцене нью-йоркской «Метрополитен-опера») принесла Паваротти международную известность и титул «Короля верхнего до» (ноты до второй октавы – он стал первым тенором в истории оперы, который спел все девять высоких до в арии Quel destin). Хотя основная специальность Паваротти – лирические белькантовые партии (Эльвино в «Сомнамбуле» Беллини, Артуро в его же «Пуританах», Эдгардо в «Лючии ди Ламмермур» Доницетти, Альфред в «Травиате» Верди, Герцог Мантуанский в его же «Риголетто»), со временем певец стал обращаться и к более драматическим ролям, таким, как Риккардо в «Бале-маскараде» Верди, Каварадосси в «Тоске» Пуччини, Манрико в «Трубадуре» Верди, Радамес в его же «Аиде». Успех Паваротти у публики набирал силу в течение 1970–1980-х годов, поддерживаемый частыми выступлениями певца по телевидению и его стремлением, давая сольные вечера и выступая в смешанных концертах, донести оперное искусство до людей, которые редко посещают оперный театр или никогда не переступали его порога. В 1990-е годы певец собирал сотни тысяч слушателей на свои концерты на стадионах и в парках.

Великие композиторы

Иоганн Себастьян Бах - великий немецкий композитор XVIII века. Прошло уже более двухсот пятидесяти лет со дня смерти Баха, а интерес к его музыке всё возрастает. При жизни композитор не получил заслуженного признания.

Иоганн Себастьян Бах родился в 1685 году в небольшом немецком городке Эйзенахе. Первые навыки игры на скрипке он получил от отца, скрипача и городского музыканта. Мальчик имел превосходный голос (сопрано) и пел в хоре городской школы. Никто не сомневался в его будущей профессии: маленький Бах должен был стать музыкантом. Девяти лет ребенок остался сиротой. Его воспитателем стал старший брат, служивший церковным органистом в городе Ордруфе. Брат определил мальчика в гимназию и продолжал обучать музыке.

В пятнадцать лет Иоганн Себастьян решил начать самостоятельную жизнь и переехал в Люнебург. В 1703 году он закончил гимназию и получил право поступить в университет. Но Баху не пришлось использовать это право, так как нужно было добывать средства к существованию. С 1708 года Бах обосновался в Веймаре. Здесь он служил придворным музыкантом и городским органистом. В веймарский период композитор создал свои лучшие органные сочинения. Среди них известнейшая Токката и фуга ре минор, знаменитая Пассакалия до минор. Эти произведения значительны и глубоки по содержанию, грандиозны по своим масштабам. В 1717 году Бах с семьёй переехал в Кётен. При дворе принца Кётенского, куда он был приглашён, не было органа. Бах писал, главным образом, клавирную и оркестровую музыку. В обязанности композитора входило руководить небольшим оркестром, аккомпанировать пению принца и развлекать его игрой на клавесине. Без труда справляясь со своими обязанностями, Бах всё свободное время отдавал творчеству. Созданные в это время произведения для клавира представляют собою вторую после органных сочинений вершину в его творчестве. В Кётене были написаны двухголосные и трехголосные инвенции (трехголосные инвенции Бах называл «синфониями»). Эти пьесы композитор предназначал для занятий со своим старшим сыном Вильгельмом Фридеманом. Педагогические цели руководили Бахом и при создании сюит - «Французских» и «Английских». В Кётене Бах закончил также 24 прелюдии и фуги, составившие первый том большого труда под названием «Хорошо темперированный клавир». В этот же период была написана и знаменитая «Хроматическая фантазия и фуга» ре минор.

Из Кётена в 1723 году Бах переехал в Лейпциг, где остался до конца своей жизни. Здесь он занял должность кантора (руководителя хора) певческой школы при церкви Св. Фомы. Бах был обязан обслуживать силами школы главные церкви города и нести ответственность за состояние и качество церковной музыки. В Лейпциге Бах создал свои лучшие вокально-инструментальные композиции: большую часть кантат (всего Бахом написано около 250 кантат), «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею», Мессу си минор. «Страсти», или «пассионы» по Иоанну и Матфею - это повествование о страданиях и смерти Иисуса Христа в описании евангелистов Иоанна и Матфея. Месса близка по содержанию «Страстям». В прошлом и месса и «страсти» представляли собою хоровые песнопения в католической церкви. У Баха эти произведения выходят далеко за рамки церковной службы. Месса и «Страсти» Баха - это монументальные произведения концертного характера. В их исполнении участвуют солисты, хор, оркестр, орган. По своему художественному значению кантаты, «Страсти» и Месса представляют собою третью, самую высокую вершину творчества композитора.

Последние годы жизни композитора были омрачены серьёзной болезнью глаз. После неудачной операции Бах ослеп. Но и тогда он продолжал сочинять, диктуя свои произведения для записи. Смерть Баха осталась почти не замеченной музыкальной общественностью. О нем скоро забыли. Печально сложилась судьба жены и младшей дочери Баха. Анна Магдалена умерла десять лет спустя в доме призрения для бедных. Младшая дочь Регина влачила нищенское существование. В последние годы её тяжелой жизни ей помогал Бетховен.

1782 год, Бетховену 12 лет. В этом возрасте он свободно играет на клавесине, скрипке, органе, легко читает с листа. Именно в этот год происходит важнейшее событие в жизни юного Бетховена, событие, которое предопределило всю его последующую жизнь и карьеру.

Христиан Готлоба Нефе стал новым директором придворной капеллы в Бонне. Этот человек сделался подлинным наставником и учителем Людвига, он упорядочил его музыкальное образование. Нефе пробудил в своём ученике интерес к музыке И. С. Баха, Генделя, Гайдна и Моцарта, на образцах клавирной музыки Ф. Э. Баха Бетховен учится тонкостям современного фортепианного стиля.

При помощи Нефе в том же году публикуются первые сочинения Бетховена: вариации на тему марша Дресслера, три фортепианные сонаты. К этому событию была приурочена и газетная заметка директора капеллы, в которой говорилось: «Этот юный гений заслуживает поддержки для своих артистических путешествий. Если он будет продолжать в том же духе, как и начал, из него выйдет второй Вольфганг Амадей Моцарт».

С 13-ти лет Людвигу приходится работать, практически ему приходится содержать семью. Он работает помощником органиста в капелле, подрабатывает в театре, разучивая партии с певцами и аккомпанируя им во время репетиций. За годы этой упорной и многообразной работы Бетховен становится заметной фигурой в музыкальном мире города. Молодой музыкант мечтает о признании великих музыкантов, о занятиях с Моцартом.

Когда мать умерла, в 1787 году, на Людвига легло все бремя забот о семье, так как отец совсем опустился, вскоре он последовал за своей женой. Молодой Бетховен вынужден был брать дополнительные работы, увеличивать количество уроков, к тому же еще и следить за хозяйством и всем бытом семьи. Все эти непосильные нагрузки сказались на здоровье Людвига, он перенёс тиф и оспу, навсегда оставившую на его лице следы, напоминавшие ему об этом тяжелом времени всю его жизнь.

К 22 годам жизни Людвига ван Бетховена закончился так называемый Боннский этап жизни композитора. В 1792 году он был автором уже 50 сочинений, хотя если сравнить его с великим Моцартом, который к этому возрасту имел более солидный багаж произведений (несколько сот), его прогресс как композитора не был слишком велик. Но, скорее всего, это было затишье перед бурей, перед тем, как Бетховен пронесётся ураганом по всем устоям музыки того времени.

Первым учителем Бетховена в Вене стал Гайдн, человек по достоинству оценивший таланты молодого музыканта. Он писал: «И знатоки, и несведущие должны по этим пьесам беспристрастно признать, что со временем Бетховен займет место одного из величайших композиторов Европы, а я буду гордиться правом называть себя его учителем».

С 1775 по 1802 год композитор пишет 19 фортепианных сонат, 3 концерта для фортепиано с оркестром, 2 симфонии, 6 струнных квартетов ор.18, фортепианные и струнные трио, а также множество других сочинений. Венчает все эти произведения Третья, Героическая, симфония, которая служит неопровержимым доказательством зрелости Бетховена-композитора.

Рихард Вагнер родился 22 мая 1813 года в Лейпциге. Отец его, полицейский чиновник, весной 1813 года находился по служебным делам в Берлине, где надолго задержался из-за военных действий. Вскоре он умер, так и не увидев сына, Рихард рос в артистическом мире - талантливый актер, писатель и живописец Людвиг Гейер стал его отчимом.

В 1821 году Гейер внезапно скончался, и семья его вернулась в Лейпциг. Здесь, пятнадцати лет от роду, Вагнер впервые услышал Бетховена» потрясающее впечатление на него произвела музыка к «Эгмонту». Рихард начинает пробовать свои силы в композиции. В течение недолгого времени - всего полгода - он берёт уроки у Теодора Вейнлига, кантора церкви св. Фомы, где некогда служил И.С. Бах. Занятия по гармонии и контрапункту, знакомство с сочинениями Моцарта явились плодотворными: необычайно бурно развилось композиторское дарование Вагнера. В 1828-1832 годы он написал несколько сонат и других пьес для фортепиано, ряд оркестровых увертюр, симфонию, музыку к «Фаусту» Гёте (семь пьес).

С 1833 года начинается период скитаний Вагнера, который продолжался почти десять лет. Сначала его брат - певец и режиссёр - пригласил его в оперный театр Вюрцбурга. Три года Вагнер проработал в Магдебурге (1834-1837)» после недолгого пребывания в Кенигсберге он поселился в Риге (1837-1839). В это время он пишет свои первые оперы - «Фея» и «Запрет любви, или Послушница из Палермо». Обе работы довольно слабы. Другое дело третья опера - «Риенци» (1838-1840). В ней Вагнер обратился к историческому сюжету. Популярный в те годы роман Булвер-Литтона (издан в 1835 году) рассказывает о последнем народном трибуне, свергнувшем в XIV веке в Риме власть патриций. Вагнер-драматург и в этом произведении оказался выше Вагнера-композитора, хотя в опере есть сильные моменты.

В 1839 году вместе со своей женой, драматической актрисой Минной Планер, Вагнер тайком бежал из Риги в Париж, спасаясь от кредиторов. Вагнеру не удалось утвердиться в Париже. Не помогли ни энергия самого композитора, ни дружеская поддержка Мейербера, которого он позже возненавидел. Вся горечь унижений, испытанных в Париже, переплавилась у Вагнера в ненависть. Нищий и голодный, Вагнер много, упорно работал и как композитор. Здесь, в Париже, он закончил «Риенци» и своё лучшее произведение раннего периода творчества - симфоническую увертюру «Фауст» (1840).

Всего год отделяет «Риенци» от «Голландца», но за этот год в сознании Вагнера произошёл значительный перелом. «Риенци» сулил удачу, и, действительно, премьера оперы, состоявшаяся в 1842 году в Дрездене, прошла с большим успехом. Но одновременно это был соблазн: здесь композитор шёл навстречу вкусам буржуазной аудитории. Теперь же Вагнер вступает на бескомпромиссный путь смелых творческих дерзаний. Он погружается в сферу романтически-легендарного, что для него равнозначно возвышенному, гуманистическому, «истинно человеческому».

В 1840 году был набросан текст драмы, а в 1841 году закончена музыка. «Я начал с хора матросов и хора за прялкой, - вспоминал Вагнер. - В семь недель была сочинена вся опера». Увертюра была написана позже, спустя два месяца. Премьера «Голландца» состоялась в Дрездене в 1843 году под управлением автора и принесла успех, но всё же опера не была оценена по достоинству. В то время, когда шли репетиции «Летучего голландца», Вагнер уже сочинял «Тангейзера». Сюжет новой оперы он начал разрабатывать в 1842 году, в следующем году написал текст либретто, партитуру закончил весной 1845 года, осенью в Дрездене под его управлением состоялась премьера.

«Тангейзер» сыграл значительную роль в закреплении музыкального стиля и принципов драматургии Вагнера. Новым творческим достижением этого периода явился «Лоэнгрин». Замысел этой оперы возник ещё и 1841 году, но текст либретто был написан лишь по окончании «Тангейзера», в 1845 году. Работа над партитурой велась в 1840-1848 годах» запланированная в Дрездене в том же году постановка была отложена из-за революционных событий (премьера состоялась в 1850 году в Веймаре под управлением Листа).

Великие исполнители классической музыки

Антон Фердинанд Тиц – это выдающийся немецкий скрипач, исполнитель на виоль д'амур и композитор. С 1759 года играл в оркестре церкви Св.Зебальда в Нюрнберге, около 1762 перебрался в Вену, где благодаря рекомендации К.В.Глюка стал концертмейстером оркестра придворной оперы. В историю русской музыкальной культуры Тиц вошел прежде всего как великолепный ансамблист, пропагандист современной ему камерно-инструментальной музыки и родоначальник русского квартета. Екатерина Великая относилась к Тицу благосклонно и поручила ему обучать игре на скрипке в.кн. Александра. Игра Тица не отличалась бравурной виртуозностью и большим звуком, однако ей были присущи задушевность и камерность, отвечавшие идеалам эпохи сентиментализма. О Тице-скрипаче восхищенно отзывались выдающиеся музыканты его времени и многочисленные русские любители музыки.

Другим знаменитым скрипачом был Никколо Паганини. В небогатом квартале Генуи, в узком переулочке с символическим названием Черная кошка, 27 октября 1782 года у Антонио Паганини и его жены Терезы Боччардо появился на свет сын Никколо. Он был вторым ребёнком в семье. Мальчик родился тщедушным, болезненным. Хрупкость и чувствительность унаследовал от матери - экзальтированной и сентиментальной. Настойчивость, темперамент, бурную энергию - от отца, предприимчивого и практичного торгового агента.

Два выступления Паганини в Парме прошли с огромным успехом, и молодого виртуоза пожелали послушать при дворе герцога Фердинанда Бурбонского. Отец Никколо понял, что настала пора эксплуатировать талант сына. Взяв на себя роль импресарио, он предпринял турне по Северной Италии. Юный музыкант выступал во Флоренции, а также в Пизе, Ливорно, Болонье и наиболее крупном центре Северной Италии - Милане. И всюду был огромный успех.

Мстислав Леопольдович Ростропович - Русский виолончелист, дирижер, народный артист СССР (1966), лауреат Сталинской (1951) и Ленинской (1964) премий СССР, Государственной премии РФ (1992). Известен не только как музыкант, но и как общественный деятель. Лондонская «Таймс» назвала его величайшим из живущих музыкантов. Его имя включено в число «Сорока бессмертных» – почетных членов Академии искусств Франции. Член Академии наук и искусств (США), Академии «Санта Чечилия» (Рим), Королевской академии музыки Англии, Королевской академии Швеции, Баварской академии изящных искусств, обладатель Императорской премии Японской ассоциации искусств и множества других премий. Удостоен звания почетного доктора более 50 университетов в различных странах. Почетный гражданин многих городов мира. Командор орденов Почетного легиона (Франция, 1981, 1987), почетный рыцарь-командор Светлейшего ордена Британской империи. Награжден множеством государственных наград 29 стран. В 1997 награжден Большим Русским Призом «Слава/Gloria».

Дирижерскую карьеру начал в 1967 в Большом театре (дебютировал в Евгении Онегине П.Чайковского, затем последовали постановки опер Семен Котко и Война и мир Прокофьева). Однако жизнь на родине сложилась не совсем гладко. Он оказался в опале и следствием этого стал вынужденный отъезд из СССР в 1974. А в 1978 за правозащитную деятельность (в частности, за покровительство А.Солженицыну) он и его жена Г.Вишневская были лишены советского гражданства. В 1990 М.Горбачев издал указ об аннулировании Постановлений Президиума Верховного Совета о лишении их гражданства и о восстановлении снятых почетных званий. Многие страны предлагали Ростроповичу взять их гражданство, но он отказался, и не имеет никакого гражданства.

Владимир Теодорович Спиваков - русский скрипач, дирижер. Родился в Уфе 12 сентября 1944. Обучался в Московской консерватории и аспирантуре при ней по классу скрипки Ю.И.Янкелевича. В 1965 завоевал 3-ю премию на Международном конкурсе имени М.Лонг – Ж.Тибо (Париж), в 1967 – 2-ю премию на Международном конкурсе скрипачей имени Н.Паганини (Генуя), в 1969 – 1-ю премию на конкурсе в Монреале, в 1970 – 2-ю премию на Международном конкурсе имени П.И.Чайковского (Москва). Владеет обширным репертуаром, выступает с крупнейшими симфоническими оркестрами мира. Брал уроки дирижирования у И.Б.Гусмана и в 1979 дебютировал как дирижер с Чикагским симфоническим оркестром. В том же году основал камерный оркестр «Виртуозы Москвы», с которым несколько лет работал в Испании, где стал также организатором музыкального фестиваля в Марбелле. Его организаторские способности проявились и при создании Международного фестиваля музыки в Кольмаре (Франция). С 1972 Спиваков преподает в Музыкально-педагогическом институте имени Гнесиных (ныне – Российская академия музыки имени Гнесиных). В 1999 стал художественным руководителем и главным дирижером Российского национального симфонического оркестра, сменив на этом посту М.В.Плетнева, основателя оркестра. В 1989 Спиваков стал лауреатом Государственной премии СССР, а в 1990 ему было присвоено звание народного артиста СССР.

Великие оркестры

В 2003 году Московский Государственный Академический Симфонический Оркестр отметил свое 60-летие. Китайские философы, оценивая качества древних династий, напрямую ставили музыку в зависимость от настроений и социальных реалий империи. Такого рода связь музыки с судьбой народа ярко проявилась в момент рождения оркестра: он был создан в 1943 году, когда страна неимоверным усилием повернула вспять враждебную силу. Очевидно, свет грядущей победы и вера в успех во многом определила судьбу этого коллектива. За дирижерский пульт нового оркестра встал Лев Штейнберг. Он сразу же установил весьма высокую планку исполнительского мастерства – недаром этот выдающийся дирижер много лет возглавлял оркестр Большого театра. Затем с оркестром работали не менее именитые мастера – Николай Аносов, Лео Гинзбург, Вероника Дударова. В эти годы молодой коллектив стал опираться уже не только на фундаментальную мировую классику: в его исполнении впервые прозвучали многие произведения С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Н. Мясковского и Р. Глиэра.

Государственный камерный оркестр «Виртуозы Москвы» был образован в»1979»году, когда 35-летний скрипач Владимир Спиваков объединил вокруг себя солистов-виртуозов «для»камерного музицирования». Камерная музыка, по»мнению Спивакова, своего рода дневник композитора, приглашающий к»внимательному и»бережному его прочтению. Официальной датой рождения оркестра считается 1982»год.

Феноменальный успех, выпавший на»долю оркестра с»первых»же концертов, доказал и»жизнеспособность идеи, и»неисчерпаемый потенциал музыкального коллектива. Легендарное «легкое дыхание» оркестра, атмосфера праздника, сопровождающая все его выступления, тщательно продуманная драматургия концертов»— все это лишь приближает слушателя к»разгадке тайны «Виртуозов», потому что понять ее до»конца невозможно. В»этом»— секрет искусства.

Камерный Оркестр Kremlin, созданный в 1991 году дирижером Мишей Рахлевским, объединил в себе талантливых молодых российских музыкантов, и прочно занял место в ряду ведущих музыкальных коллективов как в России, так и за рубежом. Основанный оркестром в 1996 году ежегодный международный музыкальный фестиваль «Рождество в Кремле», концерты в Большом зале Консерватории, в Московском Международном Доме Музыки, в зале Академии им. Гнесиных, в Государственном Музее А.С. Пушкина и других с интересом ожидаются столичной публикой и проходят при неизменных аншлагах.

В дополнении к насыщенному концертному графику московских выступлений, оркестр много и успешно гастролирует по всему миру, регулярно проводя турне по странам Северной и Южной Америки, Европы и Юго-Восточной Азии.

Появление в 1990 году Российского национального оркестра (РНО), созданного Михаилом Плетнёвым, стало неординарным событием в истории российской музыки. Дело не только в том, что новый оркестр появился в момент, когда большинство учреждений культуры, да и вся сложившаяся в предыдущие десятилетия организация музыкальной жизни, переживали кризис. С первых шагов нового коллектива критика была буквально ошеломлена высотой его творческого уровня, о котором лондонская пресса писала, что он «вызывает благоговение»— возможно ли, чтобы так играли простые смертные?». Кроме того, внимание специалистов и широкой публики привлекли новизна и оригинальность избранной оркестром организационной формы, масштаб и необычный характер осуществляемых им проектов. Эти особенности отличают РНО и по сей день.
0 просмотров5 комментариев

Комментарии